4-8 Nov 2019: Hacking Hearts Project

【下記の日本語訳をご参照ください】

Hacking Hearts was an exciting experimental project designed to interrogate and reimagine contemporary scientific research centered on heart disease, energy harvesting and cellular sensing. The activities resulted from the collaboration between Tokyo Institute of Technology and two British universities: Central Saint Martins College (CSM) at the University of the Arts London (UAL) and Queen Mary University of London. 

Illustration by Libby Morrell

The event was held on 4-8 November 2019 at the Grow Lab at UAL, in the UK. Bioengineering scientists presented their research to a team of art students, worked together for a few days and on the last day the students performed their original responses in a public symposium. A series of “creative translation processes” were employed in the deconstruction and reconstruction of cutting-edge mechanical engineering and biotechnology information through art and design practices. As Social Scientist in Residence at UAL, Prof. Nohara observed and analyzed communications and interactions among all the participants during the workshop and how arguments in science and engineering were translated, reworded and re-expressed for a team of art and design graduate students. The project team included Dr. Heather Barnett, Dr. Ulrike Oberlac and Dr. Betti Marenko of UAL, Dr. Wataru Hijikata of Tokyo Tech, and Dr. Thomas Iscratch of Queen Mary University. 

The 5-day program included a range of activities which ended with a public participatory event on Nov 8th:

  • Nov 4th: Introduction and scientific presentations / demonstrations
  • Nov 5th: Practical activities / discussions to unpack the science and start ‘hacking’
  • Nov 6th-7th: Students work in small groups to develop ideas in critical / creative response to the scientific research.
  • Nov 8th: Presentation of outcomes to the visiting researchers + public symposium in the evening.

The international research team will continue to develop methods to combine different skills and ways of thinking to acquire fresh perspectives and ideas through communication using various tools, collectively called Communication-Driven Hybrid Method. Over 5 days of activities and discussions, the participants of Hacking Hearts explored techniques to share knowledge across disciplines and understanding each other beyond cultural borders. The project produced in-depth reflections and lessons learned which will inform future participation between science & technology and art & design practitioners. Interviews with participants and conclusions drawn from the event are discussed in more details in this article.

More information on the event program can be found on UAL’s website

 


 

「Hacking Hearts」は、心臓病、環境発電、細胞センシングを中心とした現代の科学研究を調査し、再考するために計画された刺激的な実験プロジェクトです。この活動は、東京工業大学と、ロンドン芸術大学(UAL)のセントラル・セント・マーチンズカレッジ(CSM)とロンドンのクイーンメアリー大学のコラボレーションから生まれました。

このイベントは、2019年11月4〜8日に英国のUALのGrow Labで開催されました。バイオエンジニアリングの科学者は、芸術の学生のチームに研究を発表し、数日間一緒に働き、最終日には学生が公開シンポジウムで独自の発表をしました。

 5日間のプログラムには、さまざまな活動が含まれていました。

  • 11月4日:イントロダクションと科学のプレゼンテーション/デモンストレーション
  • 11月5日:科学を解き放ち、「ハッキング」を開始するための実践的な活動/ディスカッション
  • 11月6日〜7日:グループワーク、科学的研究に対する批判的/創造的な反応のアイデアの開発
  • 11月8日:研究者の成果発表、公開シンポジウム

イベントプログラムの詳細については:UALのウェブサイト (https://www.arts.ac.uk/__data/assets/pdf_file/0020/185033/HackingHearts_student_brief1.pdf) から。

 

27 Nov 2019: Fake & Reality of Shibuya ~Shibuya Museuming @Shibuya QWS

Shibuya. The city of “symbol” and “abstract”.

Many of us are attracted to the beautiful chaos of ” the fake” and “the real”, but we seldom ask ourselves why. What exactly does “fake” and “real” mean? What is “the fake” and “the real” of Shibuya? Perhaps, it is within this complex entanglement that lies the fascinating truth of the city.

People, architecture, industry, movies, pictures, music, dance, language, discussion… these products of human life seem to add so much value to Shibuya, to the point where Shibuya is no longer just a city… but a “museum”. Shibuya has evolved and always led the forefront of our lives. Only when we face the city can we understand the true value and creativity of our lives.

In this event, we bring you panel discussions with authorities from different creative backgrounds and interactions with the environment.

Fake & Reality of Shibuya ~Shibuya Museuming

Event Information:

♦︎ Date & Time: Wednesday, 27 November 2019   18:30~20:30(Open: 18:00)
♦︎ Venue: CROSS PARK(SHIBUYA QWS)2-24-12, Shibuya, Shibuya-ku, Tokyo, Shibuya Scramble Square Ⅰ(East Wing)15F
♦︎ Admission Fee:Free (Pre-registration)
♦︎ Capacity:50 persons
♦︎ Organizer:SHIBUYA QWS, Tokyo Institute of Technology
♦︎ Speakers:
Dr. Ulrike Oberlack (Tokyo Tech World Research Hub Initiative, Specially Appointed Professor, Light and Jewelry Design)
Yoshiaki Nishino (Director of Intermediatheque)
♦︎ Facilitators
Shohei Kawasaki  (Concent, Inc., Editorial Design)
Shogo Egashira  (Tokyo Institute of Technology, Master’s student, Material Engineering/Museology)
♦︎ Coordinators
Norihiro Kawasaki  (Concent, Inc., Graphic Design)
Kayoko Nohara (Tokyo Institute of Technology, Professor, Translation Studies/Communication)

Detailed information  here.


Event Report Summary

PART 1 : Shibuya Museum Concept

  1. Museum in Japan and UK
    – Cultural financial strength of the country, symbol of national power, cultural activity base
    – Example in London: Sense making and storytelling in UK museum (stimulate visitor, create interactive experiences, foster deeper engagement and further thinking)
  2. Extension of Japanese Museum characteristics
    – In term of ability of attracting visitors, Shibuya city stands out as “planned exhibiton”
  3. Breakthrough from “HAKOMONO” restraint
    – Mobile museum in daily space that does not have building, which can be made possible by removing the ‘HAKO’
  4. Creation of value system
    – Museum: accepts all and mixed things of what left behind as a result of human activities
    – It is important to convey subjective things objectively

PART 2 : FAKE & REALITY

  • What is the attractive point of Shibuya?
    – FICTION, COPY (mass production), FAKE
    – The real value of what was created by FAKE, just like the other world when seeing Halloween event
    – If novel expressions continuously being brought out, it may become an icon of the awakening city
  • Try to see Shibuya from different angle.
    From participants:
    – “I was impressed that the word ‘Platform’ will be the keyword instead of ‘Museum’ from now on” (Graduate school staff in their 30s)
    – “The space in Shibuya, where I usually come to play casually, has never looked as glittering as it is today” (Teenage college student)
    – “Each topic reminded me of the connection with my daily work.” (Museum curator in his 50s)
    – “Halloween, Mona Lisa, literature… it was interesting because the explanations from various perspectives were connected.” (Railway facilities maintenance staff in their 20s).

Event Reflection

(written by Chihiro Wada, Doctoral student of Tokyo Tech)

Discussion about “Mobile Museum” by Prof. Nishino was very intertesting. I thought it was a good example of an exhibition that was freed from ‘HAKOMONO’ restratint. The “mobile” concept is arguably the keyword of the 21st century, but I was surprised that it extended to museums. If “anywhere” is realized, I would like also realize the “anyone” by exhibiting for free.

I was also impressed that Prof. Nishino said that it was interesting because it was “subjective.” Even in the work of Izumi Kizara, which I am currently analyzing, the main characters are looking at things “subjectively” with a short-sighted eye, so it is important to have something that is not worth looking at “objectively”. What is being discussed about as worthwhile is appearing as irrelevant. What is “real”? It feels like an eternal question that seems both easy and not. Perhaps, the question of “What is it for you? What is it for me? What is it for both you and me?” should also be a set.

I pesonally hate Shibuya, so I do not agree with the discourse that Shibuya is “attractive”. However, I think it is a fact that “a lot of people gather”. When I took a Norwegian friend to Shibuya, I remember (she/he) exclaimed “(So many people!) Very Tokyo!” when seeing Scramble Square. Speaking of “Japanese culture”, I personally think that the conflict between the dynasty culture of Kyoto and merchant culture of Edo is interesting. So when I talk about “Japanese culture”, by connecting the broadcast between Kyoto and Shibuya, talking in “Shibuya” seems make the significance come into view.



QWSアカデミア(東工大 presents):Fake & Reality of Shibuya ~渋谷を博物館にする by 野原研
開催しました。
日時 : 2019年11月27日 18:30-20:30
場所 : Shibuya Scramble Square 15階 Shibuya QWS 内CROSS PARK
一般参加者 : 73名
参加費: 無料

まるで博物館でもあるかのように、象徴的・抽象的である渋谷。多くの人が虜になるのは、そこにFakeとRealが錯綜しているからである。何がFakeで何がRealなのか。何が現実で何が虚構なのか。目に見える、手に取れるもの、そんな「単純なもんではない」混沌こそが、渋谷の抽象性をつくっている。人を惹きつけてやまないこの混沌を解いていくことで、隠された魅力が見えてこないか。
人間、建築、産業、映画、写真、音楽、ダンス、言葉、議論…人の生から新しい価値体系を創造していく唯一無二の現代博物館としての、渋谷。私達は、時代のモードを映し出しながらも成長・発展し続ける空間を、横目に生活するのではなく、その価値と創造性に向き合いたい。
プログラムは現代のFakeとReal、具象と抽象のはざまで創作活動を続けるパネリストたちと、フロアとのインタラクションで構成。

登壇者
西野 嘉章(インターメディアテク館長)
野原 佳代子 (東工大教授 翻訳学・コミュニケーション)
Dr. Ulrike Oberlack (東工大WRHI特任教授 光とジュエリーデザイン)
江頭 昇吾(東工大 修士課程学生 材料工学/博物館学)
川崎 昌平(株式会社コンセント 編集デザイン)


イベントリポート

PART 1 : 渋谷 MUSEUM構想
1. MUSEUM 日本とUK
・国の持つ文化的財力、国力の象徴、文化活動拠点
・ロンドンの例 Sense making and storytelling in UK museum
STIMULATE VISITOR / CREATE INTERACTIVE EXPERIENCES /
FOSTER DEEPER ENGAGEMENT AND FURTHER THINKING?…
2. 日本のMUSEUM特性の延長線
・話題性や集客性力では、SHIBUYAという街は「企画展」として抜きん出ている
3. ハコモノ拘束からの打開
・建築物を持たない、ハコを取り除いて可能になる日常空間モバイルミュージアム
4. 価値体系の創造
・博物館ー人間の営みの結果残されたもの全般、混在を受け入れる。主観的なものを客観的に伝えていくことが大事

PART 2 : FAKE & REALITY
・渋谷の魅力は?
―FICTION 虚構性 ―COPY 量産 ―FAKE 偽物
ハロウィーンに見る異世界のような、フェイクが作り出す本物の価値
新規性ある表現を発信し続ければ、覚醒する街のアイコンになり得る
・別の角度から渋谷を見る試みを。
参加者から:
・これからはMuseumではなくPlatformという言葉がキーワードになるということが印象に残った。(30代 大学院職員)
・普段何気なく遊びに来ている渋谷の空間が今日ほどキラキラしたものに見えたときはない。(10代 大学生)
・1つ1つの話題に日々の仕事とのつながりが想起された。(50代 美術館学芸員)
・ハロウィン、モナリザ、文学…様々な視点からの説明がつながり、面白かった。(20代 鉄道系施設メンテナンス)


西野先生の「モバイルミュージアム」についての議論が興味深かったです。「ハコもの」から脱却した展示の良い例だと思いました。「モバイル」という概念は間違いなく21世紀のキーワードですが、それが博物館にまで及んでいるとは驚きでした。「どこでも」が実現されるのであれば、ぜひ「だれでも」を実現するために無料で展示してほしいものです。

西野先生が「主観」であるから面白いのだとおっしゃっていたのも印象に残っています。私が今分析している木皿泉さんの作品でも、主人公たちは近視眼的に「主観」でものごとを見ているので、「客観的に」見て価値がないようなものが大切なものとして、価値があると騒がれているものがどうでもいいものとして現れています。「ホンモノ」ってなんだっけ?というのは簡単なようで簡単でない永遠の問いのように感じます。おそらく「あなたにとって?わたしにとって?あなたとわたしにとって?」という問いもセットになるべきなのでしょう。

私は個人的に渋谷が嫌いなので、渋谷が「魅力的」という言説には賛成しません。しかし「たくさんの人があつまる」というのは事実だと思います。ノルウェーの人を渋谷に連れて行った時も、スクランブルスクエアを見て「(人がいっぱいで)東京っぽい!!」と騒いでいたのを思い出します。「日本文化」と言えば京都の王朝文化と江戸の商人文化の対立が面白いと個人的には思っているので、京都と渋谷で中継をつないで「日本文化」について語ると「渋谷」で語る意義が見えてきそうです。

東工大 和田千寛

2-30 Oct 2019: “Creative Expression” course

“Creative Expression” course was held on October 2019. This course deals with “art thinking”, with the main focus of exploring the challenge to find intersection of art with science and find ideas for innovation.

Lecturer: Hiroshi Tsuda

Schedule:

  1. Wednesday, 10/2: What is Art Thinking? : Art Thinking Focus, Idea Lecture, Free Discussion
  2. Wednesday, 10/16: Art Thinking Drawing: Art Thinking Practice Method, Free Discussion
  3. Wednesday, 10/30: Science essay by art thinking: Create works (essays, etc.) with the theme of “your research theme and the world surrounding it” or “technology and landscape”

Documentation:

(Photos © TiTech 2019)


講師:津田広志

概要
アートは、近代の自己表現の層だけではなく、歴史的に古層をもっており、中世や古代の「自己表現ではない層」を包括する必要がある。歴史の多層構造をもつアートの見方を学びながら、表層的なアートの見方(きれい、かわいい)からまず離れる。次にアジャイルなデッサンとエッセイによって、複雑なアートの世界を理解する。さらにサイエンスとの接点をさぐり、イノベーションの発想をみつけることを課題とした。

1回 10/2 (水)アートシンキングとは?:アートシンキングの着眼点、発想の講義、フリーディスカッション
2回 10/16(水)アートシンキングのデッサン: アートシンキングの実践方法、フリーディスカッション
3回 10/30(水)アートシンキングによるサイエンスエッセイ「あなたの研究テーマと、それを取り巻く世界」あるいは「テクノロジーと風景」をテーマに作品(エッセイなど)をつくる

31 July- 5 August 2019: Concept Designing

Following the workshop in February 2018, Concept Designing Joint Workshop was held under support from Rakuten Beauty Co., Ltd., with 31 participants. In this workshop, students will build concept from given theme using various communication methods and ideas, create some kind of prototype design, and give group presentation.

Date & Time: July 31st (Tuesday) -August 5th (Saturday) 15: 00-19: 00
Venue: (Tokyo Institute of Technology, Musashino Art University Roppongi D Lounge)
Participants: 15 Tokyo Institute of Technology students + 16 Musashino Art University students

Event Documentations: 

Photos © Nohara Lab 2019

[Information: From now on, the Concept Designing report could be found here in DeepMode website (previously on Creative Flow website)]


【今回から、コンセプト・デザイニング報告はCreative Flow WEBサイトから、こちらDeepModeサイトにお引っ越ししました】

2月のワークショップに続き、2018年度のコンセプト・デザイニング合同ワークショップが、株式会社楽天ビューティーの協賛のもと、過去最大多数の参加者31名を得て開催されました。
このWSでは、与えられたテーマから、あらゆるコミュニケーション方法や発想法を使ってコンセプトを構築(再構築)し、なんらかの造形デザインを作り、グループプレゼンテーションします。グループ討議とおして「アイディアから形」に至る様々な可能性、発見、試行錯誤、見落としているもの…を、すくいとっていきます。

日程:7月31日(火)~8月5日(土)15:00-19:00(東工大、武蔵野美術大学六本木Dラウンジ)
参加者:東工大生15名  武蔵野美術大学生16名
混成5名×6チーム(内:英語1チーム名)

1日目 7月31日(火):武蔵野美術大学六本木Dラウンジにて。武蔵野美術大学古堅教授と東京工業大学野原教授による事前講義を終えて、グループメンバー初顔合わせ。今年のお題は「似合う」「のようなもの」(お題は1つだけでも2つ使っても可)。早速話し合いを始めてアイディア出しに取り組みます。
2日目 8月1日(水):武蔵野美術大学六本木Dラウンジにて。武蔵野美術大学の袴田教授による「美術思考」についての講義。1日目の話し合いをもとにアイディアを形にしていきます。
3日目 8月2日(木):東京工業大学大岡山キャンパスにて。この日は中間発表でスタート。黙々と制作を始めたチーム、買い出しに向かうチーム、まだアイディア出し中のチームと取り組みもさまざまです。
4日目 8月3日(金)東京工業大学大岡山キャンパスにて。制作も大詰めに。
WS5日目 8月4日(土)東京工業大学大岡山キャンパス共創コモンズにて発表会。4日間の集大成を発表しました。先生方や外部ゲストから鋭い講評もありましたが、笑いのあるなごやかな発表かいとなりました。

15 May 2019: MOU with Central Saint Martins, Signing Ceremony @Tokyo Tech

A team from Central Saint Martins – University of the Arts London (CSM) visited the Tokyo Institute of Technology (Tokyo Tech) and two universities officially signed MOU. The two institutions will further promote collaboration in academic research, education, and university-industry partnership.

MOU Signing Ceremony (From the left, Prof. Nohara, Prof. Sampei, Prof. Nakai, Prof. Till, Ms. Dickson, Ms.Proudley, Prof. Wada).  Photo © TiTech 2019

On May 15th, after a meeting between President Kazuya Masu of Tokyo Tech and head of CSM, Prof. Jeremy Till, the MOU signing ceremony

was attended by Prof. Norihiro Nakai (Dean of School of Decision Science and Technology), Prof. Yuji Wada (Dean of School of Materials and Chemical Technology), Prof. Mitsuji Sampei (Associate Dean of School of Engineering), Prof. Shigeki Nakagawa (Director of Office of Education and International Cooperation), Prof. Kayoko Nohara (School of Environment and Society, WRHI research member) from Tokyo Tech, and Prof. Till (Head of School), Rachel Dickson (Dean of Academic Programmes), and Gemma Proudley (International Partnerships Development Manager) from CSM. The participants from the two universities exchanged opinions on the further promotion of collaborative research and partnership.

Present exchange (from the left, Prof. Wada, Prof. Nakai, Prof. Till)  Photo © TiTech 2019

During the ceremony, the participants also discussed about the history of the two institutions, previous activities of the two universities’ collaborative project in the past two years and a half, and existing examples of science/technology and art/design collaborations in Japan and the U.K. Presents were also exchanged. Prof. Till from the background of architectural studies explained the choice of wrapping paper of London’s city skyline to Prof. Nakai with specialty in urban studies. The ceremony was carried out in a witty and pleasant atmosphere.

 Luncheon Meeting. Photo © TiTech 2019

Following the signing ceremony, a luncheon meeting was also held. Joined by Prof. Nohara, Prof. Nakagawa, Prof. Shinya Hanaoka (School of Environment and Society) and Prof. Masahiko Hara (School of Materials and Chemical Technology) from Tokyo Tech, and Prof. Till, Ms. Dickson, Ms. Proudley, Dr. (Reader) Betti Marenko and Dr. Ulrike Oberlack (also Project Professors of WRHI) from CSM, the event was held in South Bldg. 5.

Sharing the same venue as the colloquium carried out on the previous day, May 14th, the faculty members reflected on the LEGO works made during the workshop of the colloquium to consider the methodology of Transdisciplinarity and the videos of the previous activities and events. The members all look forward to the future collaboration and strengthened partnership after the official start of the signing of MOU.

LEGO works made by participants at yesterday’s Colloquiam workshop. Photo © TiTech 2019


ロンドン芸術大学セントラル・セント・マーティンズ校(CSM)から、校長含む訪問団を迎え、515日に、両大学は正式にMOUを締結し、学術・教育・産学連携などで協力していくことになりました。

益学長・ティル校長との会談ののち、署名式には、東工大から中井検裕教授(環境・社会理工学院長)、和田雄二教授(物質・理工学院長)、三平満司教授(工学院副学院長)、中川茂樹教授(工系国際連携室長)と野原佳代子教授(環境・社会理工学院、WRHI研究メンバー)、CSMからはジェレミー・ティル校長、レイチェル・ディクソン教務部長、ジェマ・プラウドリーUAL国際連携主任等が署名式に参加し、両校によるさらなる共同研究の推進とパートナーシップ強化に向けて意見交換が行われました。締結式の間、両校の歴史、過去二年半の活動歴、と日本とイギリスにおける科学技術とアート・デザインのコラボレーションの事例が共有され、プレゼント交換も行われました。建築学専門のティル校長が都市学の中井教授へ、ロンドン市のスカイラインの模様が施されたプレゼントのパッケージについて説明し、締結式がウィットに富んだ会話と和やかな雰囲気の中で進められました。

締結式終了後、両校の関係者が南5号館で会食に参加しました。東工大から野原教授と中川茂樹教授をはじめ、花岡伸也教授(環境・社会理工学院)と原正彦教授(物質理工学院)、CSMからティル校長、ディクソン教務部長、プラウドリー主任、ベティ・マレンコWRHI特任教授、とウルリケ・オバーラックWRHI特任教授が一堂に会しました。前日(5月14日)のコロキアムの一環として行われた「融合」を考えるワークショップで、参加者が組み立ていたレゴ作品と過去の活動の映像もみながら、会話を交わし、親睦を深めました。今後さらなるの連携による新たな展開と研究成果を期待しています。

14 May 2019: Colloquium with Central Saint Martins@TokyoTech

Before the signing of MOU on May 15, a Colloquium was held with Central Saint Martins – University of the Arts London (CSM) on May 14.

Eleven faculty members from Tokyo Tech (Prof. Kayoko Nohara, Prof. Junichi Takada, Prof. Yoshiharu Tsukamoto, Prof. Masahiro Susa, Prof. Haruyuki Fujii, Prof. Daisuke Kurabayashi, Prof. Minoru Nakayama, Assoc. Prof. Naoya Abe, Assoc. Prof. Wataru Hijikata, and Hiroshi Tsuda(Executive officer of Concent, Inc.), and Susumu Yoneyama (URA)), four from CSM (Prof. Till, Ms. Dickson, and Project Professors of WRHI, Dr. (Reader) Betti Marenko and Dr. Ulrike Oberlack) gathered at the venue in South Bldg. 5. Heather Barnett and Dr. Nathan Cohen also joined from London via Skype. During the colloquium, in addition to launching the White Paper, Becoming Hybrid, which reflects the collaboration between the two universities in the past two and a half years and celebrated and celebrating the official MOU, the participants also joined a workshop utilizing LEGO to consider the methodology and meaning of Transdisciplinarity. Students from Nohara lab also assisted with the telecommunication, facilitation, and running of the event.

At the colloquium, faculty members from varying specialty gathered. It started with greeting and reflections on the previous activities by Dr. Marenko, Dr. Oberlack, and Prof. Nohara. The series of events and activities between the two universities started from a symposium in May 2017 and was followed by teaching and research residence of the CSM teaching faculties at Tokyo Tech, philosophy cafes, Wearable workshops, public workshop, and joint workshop held at CMS in London.  With documentary films, the report showed the roadmap of the past explorations of the methodology and future visions of Transdisciplinarity. It had also gained grants from the Arts Council, Tokyo. This journey had been supported by diverse participants from educational institutions and corporations. Sharing the fruits of the experiments so far, Prof. Nohara also clarified that the final purpose of this project is not making products but raising questions and seeking solutions through the Transdisciplinarity when facing the uncertain future.

In the following session, Barnett via Skype facilitated a workshop utilizing LEGO as a tool. At the venue in Tokyo Tech, the participants were divided into three groups. First, every one produced their own LEGO works based on their own considerations of Hybrid Methodology, issues and visions about the future collaboration. At this stage, the works were abstract and carried out in silence. In the next part, the group members explained the meanings of their works inside the groups. Then it opened to the floor with the groups presenting their ideas and discussions. Dr. Cohen also joined from London and presented his LEGO work. The models were all unique, some taking metaphors from “flower”, “window”, and “human body”, some endowed with the meanings of “feasibility”, “diversity”, and “uncertainty”. The participants, using English or Japanese with the facility of simultaneous interpretation, and traveling between Tokyo and London, together delineated the unlimited potential and positive vision of Transdisciplinarity and Hybrid Methodology. Prof. Yoshiharu Tsukamoto from architectural studies employed “network” as the concept, joined LEGO bricks of different colors and the work became a large structure, which seemed to symbolize a “hybrid”. Hiroshi Tsuda presented one of which the bricks were added to each other not through the intended joining parts and revealed the expectation of the collaboration to question the conventional ways. He also presented the significance to explore once again the merger of varying disciplines before the process of modernization in the context of Japan.

In the final part, the participants expressed their visions of the future after the signing of MOU. Prof. Wataru Hijikata, who specializes in Mechanical Design and collaboration between medical studies and engineering (for example, artificial hearts) shared his opinion from the perspective of research in science and technology and presented the significance of the collaboration between science/technology and art/design, “science and technology is convenient in a way however it is art that entertain people. Only through the merger can we find the way leading to happiness.”

Staff and students from Nohara Lab also supported and participated in the colloquium. They also expressed the ideas about Transdisciplinarity and Hybrid after participating in the colloquium. Chihiro Wada (Doctoral first year) put down that “there is an attractive possibility the hybrid of art and science can bring to the world through influencing and complementing each other… I feel that art has rich resources or elements that science tends to lack or disregard such as “beauty” or “heart” or “kokoro” in Japanese. It is certainly impossible to enrich the world only by pursuing the technology or convenience. There are plenty of things that I can learn from the hybrid and I believe that it represents or indicates a lot about the depth or complexity of the world and also, human being.” Takumi Saito (Master’s first year) expressed his opinion that “the significance of hybridity emerges when each discipline faces problems that it cannot tackle with on its own.”  The project also anticipates further exploration of the methods of Transdisciplinarity and Hybrid from the enthusiastic students and researchers.
With vibrant discussions, the colloquium crossed boundaries of language, academic disciplines, and physical space. The project members refreshed themselves after the MOU and would like to embrace further challenges with confidence and courage.

(by: Mengfei Pan)

Event Documentation

     

(Photos © Nohara Lab 2019)


5月15日の締結式に先駆け、5月14日にロンドン芸術大学セントラル・セント・マーティンズ校(CSM)とコロキアムが行われました。東工大側からは11名の教員(野原佳代子教授、高田潤一教授、塚本由晴教授、須佐匡裕教授、藤井晴行教授、倉林大輔教授、中山実教授、阿部直也准教授、土方亘准教授、津田広志氏((株)コンセント取締役)、米田晋URA等、一方CSMからは4名(ジェレミー・ティル校長、レイチェル・ディクソン教務部長、ベティ・マレンコWRHI特任教授、ウルリケ・オバーラックWRHI特任教授)が南5号館の会場に集いました。さらにヘザー・バーネット、ネイサン・コーエン博士がロンドンからSkypeを利用して参加しました。2年半にわたるこれまでの連携活動を振り返った共著の白書 “Becoming Hybrid 『生まれゆくハイブリッド(混成)』”の完成と、MOU締結を記念し祝うとともに、レゴを用いて異分野融合の手法と意義について考え、議論がなされました。また野原研の学生たちが通信、運営、ファシリテーション面でサポートをしました。

コロキアムには様々な専門分野からの教員が集い、まず、マレンコ特任教授、オバーラック特任教授と野原教授による、開会の挨拶と過去の活動についての振り返りから始まりました。2017年5月に開催された合同シンポジウム、CSM教員の東工大での研究滞在・講義・哲学カフェ、ウェアラブルワークショップ、一般公開イベント、とロンドンCMSにおいての合同ワークショップ・研修など、過去の一連の活動について、記録映像も流しながら、報告が行われました。科学技術✖︎アート/デザインの「融合」の手法と未来への示唆についての模索、さらにアーツカウンシルから助成金の支援を受け、両大学以外の教育機関や企業からの参加者との交流、様々な思いが詰まった共同活動のロードマップを提示しました。「融合」に関する実験の成果を共有し、「製品化そのもの」を目的としていないことを明確に説明し、「不確定の未来」と対面し、問題提起と打開策を手法となる「融合」と「混成」の意義を共有しました。

続けて、Skypeでロンドンのバーネット先生とつなぎ、バーネット先生のファシリテートで、レゴを用いたワークショップが行われました。会場で両校からの参加者が三つのグループに分けられました。まず一人一人、「このコラボレーションに関する感想、課題と在り方」について抽象的に模型を作り、続いてグループ内でその模型の意味について説明し、最後に、会場内でそれぞれのグループ内の作品と議論について発表し、ロンドンからコーエン博士も自分の模型について説明しディスカッションに加えました。模型がそれぞれ個性的で、「花」、「窓」や「人体」に見立てにしたり、模型そのものの「可変性」・「多様性」・「不確定性」も喩えにしたり、「融合」の計り知れない可能性を、同時通訳も頼りながら、日本語・英語を飛びかわし、ロンドン・東京の間を行き来、議論が膨らみました。とりわけ、建築学の塚本由晴教授の「ネットワーク」をコンセプトとして模型は、違う色のブリックをつなぎ合わせ、大きな構造物となっていた「融合による混成物」を象徴していたように見えます。津田広志氏は、本来つなぎ目ではない部分でブリックをつなげ、従来の見方を問いかけるようなコラボレーションの在り方と、日本の文脈において、近代化によって学問分野が分断される前の「融合」も探るべきだという意見を述べました。

最後の全体討論の中で、参加者が両校の締結後の展望について語りました。機械設計・医工連携(例:人工心臓)を専門とする土方亘教授は、科学技術側からアートとの連携について感想を述べました。科学技術は便利なものですが、アートの方が人を楽しませる力を持っていて、その結合により、幸せへの道へ導かれるではないかと、科学技術✖︎アート/デザインの「融合」の重要な役目を提示しました。
野原研のスタッフと学生もサポートし、参加をしていました。彼らからコロキアムを通しての感想も寄せてきました。博士課程一年・和田千寛氏は、「アートとサイエンスのハイブリッドは、お互いに足りないものを補い合い、新しいものを作り出す可能性に満ちています。サイエンスに不足しがちなもの、例えば「美」や「心」などを、アートは豊富にもっていて、サイエンスとアートのハイブリッドから学ぶことはたくさんある」と述べ、「それぞれだけではどうにも対処できそうにない問題が現れた時、そこで初めてハイブリッドの意味・重要性が生まれる」と修士課程一年・齋藤匠氏が語りました。これからも、「融合」と「ハイブリッド」手法の探求において彼らの熱意の込めた活動を期待しています。

このコロキアムにおいて活発な議論は言語・学問領域・物理的な空間の境界を越え、翌日のMOU締結により共同研究が進めるべく、関係者一同気持ちをあらため、今後さらなる展開と挑戦に向かっています。

(文章:潘 夢斐)

18 Nov-2 Dec 2018: Dr. Ulrike Oberlack’s Wearable Light Workshop @TokyoTech

A light workshop was held by Dr. Ulrike Oberlack of the Central Saint Martins, University of the Arts London.

At the final presentation on December 2, two groups consist of Tokyo Tech students (undergraduate, graduate, & research students) & faculty staff and outside students, such as from Tokyo University of the Arts, presented the result of exploration of lights and materials after 12 hours of thinking and discussion and working on collage, mood board, and sketch vision.

Event Documentation:

(Photos © Nohara Lab 2018)


ロンドン芸大CSMのウルリケ・オーバーラック先生による光のワークショップを実施しました。12月2日の最終プレゼンでは、東工大生(学部生、大学院生、研究生)、教職員、東京藝大など外部学生含む2つのグループが、12時間の思考とディスカッション、コラージュ、mood board、sketch vision,などを駆使した、光と素材のexplorationの結果を伝えてくれました。

デザインは、美しいものを創ることだけを指すのではない、それは表象に過ぎない。けれど、ワークショップで気づいたnarrativeを語る学生たちの顔と見せてくれる画像たちが、あまりにも美しいのは何故か。これまで知っていたものと全く違うものつくり、narrativeづくり、経験づくりを言語化し外在化させていく過程がそこにはあった。それは、感性と理性の融合を、反復性のある経験に落として実体化していくことでもあったと思います。そこに、ウルリケの温かな人柄が、何か他の大切なエッセンスをも加えてくれていたような。

Narrativisation by a UX designer ~on Finale of the Existential Wearables Project

A report/Narrativisation from UX Designer of the Existential Wearables Event
(29 Sept, 2018 @ Shibuya Hikarie)

“What people are going to wear in Tokyo in ten years” is an stimulating question.

We are trying to put into real designs the ideas and dialogues about people who we have not met and a new age no one has even seen.

It is difficult to predict the future in our age. The economics world called it “VUCA” age. Originally a military jargon, “VUCA” takes the caption letters from”Volatility”, “Uncertainty”, “Complexity”, and “Ambiguity”.

In this kind of complexity and diversity, “dialogue” attracts our attention. Dialogues lead to new discoveries, new ideas, and understanding/meaning of one’s self and relation with the wider society. This process is called “emergence”.

Mental model of this process to create meanings can be roughly divided into the following three:
1) Mental model to create human beings (religion, philosophy, ethics and morality)
2) Mental model to convey authority and history (legends, folklores)
3) Mental model in the field of learning, guiding, and counseling.

There are differences in these models among the individuals and collective groups. Complete sharing of mental model is difficult. Through hearing and sharing, however, similar mental models take shapes. The elements to lead to this kind of sharing and sense of sympathy include “reality”, “believability”, “feasibility”, “relatable”, “attention”, “attraction”. This process diverges from “embedded narrative” and is called “emergent narrative”. It is exactly this mechanism that bridges sense of sympathy with others with new ideas.

UX Design also constructs dialogues with its pre-assumed users and customers. Through systems of software designs and engineering, dialogues will be facilitated and barriers of operation will be lessen. It wishes to build more convenient tools and better relationship that meet the needs of the future.

Gen Tatsumi, UX Designer
PIVOT Inc.
https://pivot.jp/


UXデザイナーのナラティブ化
2018年9月29日 実存ウェアラブルプロジェクト 第1フェーズフィナーレ@渋谷ヒカリエによせて

「10年後の東京、ヒトは何を着ているか」とても刺激的な問いかけである。

10年後の東京とは、どのような人が住み、どのような環境、社会を形成しているのだろうか?「Existential Wearable」実存的ウェアラブル、まだ存在はしないが未来には存在しうる着衣物とは、一体どんなものなのか?
見たことのない時代、あったことのない人々が使うモノを考えて作り、その過程、結果から生まれる対話と共感を元に、モノを具現化していく。

現代社会は、将来予測が困難な時代であり、世界経済界ではVUCA時代の到来と言われている。VUCAとは、もともと軍事用語で、Volatility(変動性)、Uncertainty(不確実性)、Complexity(複雑性)、Ambiguity(曖昧性)の頭文字からなる。産業と科学による人口の増加、それに伴う自然環境の変化と経済影響、2000年以降の世界経済の急速なグローバル化、IT技術の進歩に伴う、あらゆる市場で既存ビジネスモデルの崩壊と再構築、情報通信量の増大に伴う、さまざまなニーズの変化に対応した市場の細分化。めまぐるしい変化の中で共通の価値軸が失われ、不確実性が増加している。

価値の創造と創出の手段としてUXデザイン(ユーザー体験のためのデザイン)や、デザイン思考といった価値創造の仕組みを考える職種が求められる理由も、時代を反映していると言える。
しかし体験と、その結果としての価値は主観的なもので、そのものを作り出すのは難しい。現代社会の潮流も、多様性による環境の複雑さが原因となっているのだろう。
従来の論理的思考に基づいた議論では、新たな解決策が生まれない問題も、正解の主張では収束ができないほどに複雑になっているからだと思われる。

そこで注目されるのが対話(Dialogue)である。

対話を重ねることで個々人が持つ認知の単純な総和ではなく、新しい角度から物事を見ることによる発見と、このパラダイムシフトによる、全く新しい発想が生まれることがある。この現象を創発(Emergence)という。
対話は問題の原因を特定することが目的ではなく、当事者の一人として新たな解決策を創発する。対話は自己の内面の語りであり、他者の内面の受け入れでもある。つまりコミュニケーションによる共感によって新たなアイデアを創発するといえよう。
アイデアが、さまざまな問題を解決し、継続的に社会を動かす原動力となるものであり、なにかを強引に推し進めるのではなく、人々の心が変化し、行動する文化と習慣を作るものであるならば、共感力が強いアイデアが、良いアイデアであるといってもおかしくはないだろう。

自己を語るとき、人は自己の持つ認識の枠組みや知識を使って世界を理解し自分なりの意味を生成する。これは個人の見方による世界と自分の姿であり、その人の存在する文化の枠組み(言語、歴史、象徴など)に影響され、また自身も言語を使用し社会への働きかけ(表現)をすることで社会に影響を与える。この意味と意味を作るプロセスをメンタルモデルといい大きく3つに分けられる。
・人間らしさを形成するメンタルモデル(宗教、哲学、倫理や道徳)
・権威や歴史を伝えるためのメンタルモデル(伝説、伝承、昔話)
・学習、誘導、カウンセリングにおけるメンタルモデル(教育、医療)
これらのメンタルモデルは、年長者からの教育、コミュニケーション、自己の体験、情報からの学習といった手法のいくつかと異なる順序によって取得される。これらの過程には、学習と体験の差(量や質)、関係するコミュニティによる差(集合知や常識)、身体的能力(性別、視力や聴力など)、生存した時期(時代背景、環境)から、個体差や個別集団差が生じる。

そのため完全な情報の共有というのは難しい。しかし人の体験談をメンタルモデルとして聞くことで、近いメンタルモデルが自身に形成される。これは、語りの内容(要素)が、自身が体験したこととオーバーラップまたは、あたかも体験したかのように感じることがあるはずである。この共感を誘発する要素として、Reality(追体験の誘発)、Believability(没入感の構築)、Feasibility(臨場感の構築)、Relatable(世界観の構築)、Attention(存在感の構築)、Attraction(物語の構成)があり、これらの要素を強く感じることで、語りは強化され、他者との強い共感が生まれる。これはEmbedded Narative(あらかじめ用意された物語)から、Emergent Narrative(創発される物語)が作られる工程であり、このメカニズムが機能しなければ、他者との共感から新しいアイデアは生まれないのだろう。

ソフトウエアエンジニアリングにおけるUXデザインの工程にも、ユーザーインタビューやテストといった対話の手法がある。想定ユーザーや顧客をペルソナとし、彼らに提供できる価値までの物語を感情の変化や生活の様式を想像した上で構築する。
しかし、この工程において、我々デザイナーは人を客体化してしまうため、物語にビジネスのバイアスがかかってしまいがちである。同時にいつも心の中にわだかまりとして、このペルソナ、客体化された架空の人物は誰なのだろうかという疑問が残っていた。
ペルソナとして想定された現実の人と対話しているとき、彼らが語る物語は、デザイナーの想定した物語との答え合せになっているのではないかという疑問があった。

しかし、このプロジェクトに参加し、アドバイザーという立場ながら、多くの学びを得ることができた。デザイナーである僕も、ナラティブなデザインにおいては当事者であり、自分の内面、知見を語ることで、ユーザーと解決策を創発していく、Embedded NarativeからEmergent Narrativeへのプロセスと仕組みの設計に取り組むという新しい課題も生まれた。

ソフトウエアデザインとエンジニアリングによって作られるシステムは、技術進歩によって、操作を必要としない、もしくは対話による稼働へと進化している。デザイナーがモノを通じて、利用者とより深い対話をしていく時代になりつつある。これからの時代に必要な、物語による対話と知見の融合によって創発される価値を多くの人が学び、便利な道具を作り、よい関係性を築いて行けることを願う。

立見 元 UXデザイナー
Microsoftで、Microsoft OfficeのUIデザイナーとして7年の修行を経て、株式会社OPTiMのデザイン部門の創設、IoTとAIプラットフォームとサービス群の開発、会社ブランディングなどを担当し、2018年から株式会社PIVOT R&D部門のUXデザイナーとして、「ちょっと世の中を便利にするしくみ」を研究している。

株式会社PIVOT
株式会社PIVOTは、企画、Webサイト構築~運営支援、アプリ開発、システム開発まで、UIを中心にしたモノづくりでユーザー体験を追求しているデザイン会社です。

使いやすさや見た目の美しさだけで無く、「心を動かす体験」をユーザーに提供するために、表には出ない裏側の仕組みや構造も含めたトータルの設計を手掛けています。
https://pivot.jp/

29 Sept 2018: Existential Wearables Project Finale

On The Existential Wearables Project

Metaphor of Technology and Performance

With the theme, “what people are going to wear in Tokyo in ten years”, students and those working in varying fields in the society formed three teams and participated in the hackathon. Before the event, sharing of the foundational viewpoints of the project was also held. It was a sharing of a question of the actual being of human life. The hackathon was carried out to find answers to “what is life” and “what is the life form when the concrete bodies are attached with machines in the modern society.”

The products of the teamwork may look crude at the first sight but they are actually suggestive metaphor for future technology. When the prototype was put on the body, we will also realize its performativity. This “performativity” is also a performance of culture, encompassing anthropological insights and artistic expression. In addition, as revealed by performance studies by Richard Schechner and John MacAloon, we can also find the narrativity (self-reflection) and boundary (between daily and non-daily) in this “performativity”.

Life forms and Technology

The products of the teams are as following. Team A conceived a kind of clothes to incorporate in wind. Team B designed a kind of nose device that sells health information from the nasal mucosa. Team C produced a kind of mask that offers the face consolation and defense. They proposed air, mucosa, skin of face as varying types of interface to directly mediate the inside and outside of the life forms.
Incorporating air, the design of Team A aimed at something beyond saving the weight of clothes. The idea was to circulate the win inside of the clothes and the outside environment – a kind of wind that plays with the clothes. The performance also attracted imagination and presented beautifully a life form of circulations across the boundaries of the bodies. Team B revealed a near-future technology. It aimed not at controlling of the health information but was based on a vision that one’s health information can serve as be sold. The performance showed the full energy of agency and a spirit of challenge. Team C pursued a strong wall to cut off the outside environment and the wearer. Their performance shared with the Japanese Noh masks and revealed a sense of tranquility. I can already feel its potential to be used in business scenes.

Task to Cope with or Integrate with Society of Risks

Although the three teams showed their differences in the directions, they vividly reflect the issues of the mega city, Tokyo. We can see the uncertainty and insecurity from the life forms when facing the “society of risks”. According to sociologist, Ulrich Beck, “risk” is different from “danger”. Rather than dangers such as natural disasters, “risks” refer to those due to human actions, for example, environmental issues, nuclear power, manipulation of genes, and abuse of data. The responsible actor is the individuals (This is also called “individualization”.) This is the actuality of “society of risks”. It requires every individual’s to proactively act for social reformation. To realize the real “safety and security”, individual’s participation and social inclusion becomes urgent in our time.

Technology used to control risks to free the life forms from surveillance. Media theorist KITANO Keisuke proposed that “control” should be translated as “manage (kanri)” rather than “control (seigyo)” in Japanese (Kitano, Control and Society or Seigyo to shakai). This kind of “control”, as presented in this hackathon, can be seen as individuals’ control of technology out of awareness to facilitate circulation among inside and out of bodies and proactively “sell” one’s health information. If we “integrate” the designs of the three teams, we can also see a kind of “internal tranquility” sustained in the imagined future. Throughout the process of the performance, image, affection, and unconsciousness without verbalization can also be observed. They managed to be turned into the prototypes under controls. Technology and performance are deeply intertwined. It is this kind of intimate relationship that gave birth to real “safety and security”.

(by: TSUDA Hiroshi)

Event Documentation:

(Photos © Nohara Lab 2018)


実存ウェアラブルプロジェクト(生命体テクノロジーファッション工房)

テクノロジーのメタファーとパフォーマンス
「10年後の東京、ひとはなにを着ているのか」をテーマに、学生、社会人による3チームがハッカソンをおこなった。これに先行してプロジェクトの基礎的視点の共有をおこなった。人間の生命をめぐる実存的な問いの共有である。「生命とは何か」、また「現代社会において、機器をつけた具体的な身体である生命体とは何か」、それを暗黙裡の通底音にしながらハッカソンはおこなわれた。
チームの成果物は、一見稚拙にみえるが、未来テクノロジーへの示唆的なメタファーであること、またプロトタイプを身につけた瞬間、パーフォーマティヴであることが重要である。後者の「パフォーマティヴである」とは、文化的パフォーマンスである。そこに人類学の見識とアート表現が内在していることはよく知られている。さらには、物語性(自己省察)、境界性(日常と非日常の中間)をしめすことも知られている(パフォーマンス研究、Richard Schechner、John MacAloon)。

生命体とテクノロジー
チームの成果。風をとりいれた服を考えたAチーム、鼻の粘膜から健康情報を売る「鼻デヴァイス」を考案したBチーム、そして顔に自己慰謝・防御的なマスクをつくったCチーム。それぞれ空気、粘膜、顔の皮膚という生命体と直接かかわる内と外のインターフェイスのあり方が提案された。
Aチームは、たんに空気を服の中にいれて軽量化するのが目的ではない。内(服)と外界を通底する風のテクノロジー(風と戯れる服)の発想がある。またこのチームの成果は想像力を働かせればパフォーマンスとしてたいへん美しく、内外の循環を即す生命体表現となっている。Bチームは、情報管理されるのではなく、自らが健康情報を「売る」というテクノロジーの近未来の方向性をしめしている。またそのパフォーマンスは、挑戦的でありイロニカルであり主体的である。Cチームは外(外界)と内(自己の顔)を強く遮断するテクノロジーのあり方をしめした。そのパフォーマンスは、日本の能面などとも通底する「内面の静寂さ」への希求がみられる。十分、ビジネスにも適応されるだろう。

リスク社会と制御あるいは融合の課題
3チームはそれぞれ方向性は違う。しかしみな巨大都市東京の課題を反映していないだろうか。とりわけ「リスク社会」と呼ばれる生命体の制御不能への不安が見て取れる。社会学者のベック(Ulrich Beck)によれば、リスクriskは危険dangerとは違う。自然災害のような危険ではなく、環境問題、原発、遺伝子操作、データ乱用などの人為的営為によって起きるもの、それがリスクである。しかも、そのリスクの責任は最終的に個人がとるはめになる(「個人化」と呼ばれる)。これが「リスク社会」である。そのため、個人は積極的にリスク社会の改革行為が求められる。本当の「安心、安全」を実現するには、個人の社会参加、社会包摂が必要となるのが現在であろう。
生命を管理監視から解放し、かつテクノロジーがリスクを制御すること。メディア理論の北野圭介は、controlを「管理する」ではなく「制御する」と訳すことを提案している。彼は「監視社会から制御社会へ」と説く(北野『制御と社会』)。この「制御」とは、このハッカソンでしめされたように、身体である生命体の内と外の循環をよくしたり、情報を盗まれるのではなく積極的に「売る」ように、個人が自覚的にテクノロジーを「制御」するものだ。さらに3チームの発想が「融合する」と、「内面の静寂さ」をもキープするような未来世界が垣間見れる。また、このハッカソンのパフォーマンスの中には、言語化できないイメージ、情動、無意識が飛びかっている。それらがかろうじて制御されてプロトタイプになっている。テクノロジーとパフォーマンスには密接な関係がある、またこの両者の関係の中から深層的な意味での「安心、安全」が生まれるのではないだろうか。

文章: 津田広志

21-28 July: Hackathon @TokyoTech

Students and faculty at Tokyo Institute of Technology and other institutions, plus members of the general public from a wide range of disciplines and cultural backgrounds, developed ideas in a series of ‘cafes’ and workshops leading up to the Hackathon.

Designed and facilitated by Heather Barnett and Dr Ulrike Oberlack, the Hackathon developed initial concepts into models and scenarios, and extending ideas for future urban wearables beyond pure functionality into philosophical realms. To aid speculation and the generation of ideas, students were introduced to a range of conceptual and material methods including silent brainstorms; visualisation through collage; manipulation of materials, and rough prototyping.

The models and designs produced by the transdisciplinary teams speculated on how Tokyo might change in the next decade and how wearable technology might facilitate those changes. Prototypes produced reflected concerns about environmental changes, the search for personal space and the challenges of meaningful interpersonal communication.


2018年7月、実存ウェアラブルプロジェクトの一端として1週間の弾丸ハッカソン(アイデアとデザインワークショップ)が開催されました。

場所は石川台5号館3Fのデザイン工房。東工大の学生たちのほか、多様なバックグラウンドを持つ他大学の学生や社会人の方々にも公募し、参加していただきました。

テーマは「10年後の東京、ひとは何を着ているか」。Heather Barnett先生とUlrike Oberlack先生によるデザインスキル+アート思考、また野原先生、津田先生によるマルチモーダルな翻訳+哲学的視点の導入など、いろいろな情報、議論とアイデアが万華鏡のように生まれ出ては変わる1週間になりました。 参加者の思い描く未来のurban wearablesアイディアが、やがてシナリオやモデルへと進化していく中で、目先の機能にとらわれず、そのアイデアが生み出し得る哲学的価値の領域にも踏み込んでいきましあ。サイレントブレインストーミングや、コラージュによる思考の可視化、並べられたたくさんの素材との触覚を使った「対話」、ビジュアル、コンセプチュアルから素材、ハプティックなど様々な方法論と触れる機会でもありました。東京が10年後どう変わるか、またテクノロジー目でwearable技術がどのような変化を引き起こすか、議論はつきません。皆さんが提案した初期プロトタイプから、フィナーレに向けて環境問題への懸念、個人スペースの探探求と確保、個人情報は誰に属すかという問題、もっと効果的なコミュニケーションメソッドなど、未来に思いを馳せながら想像的・創造的なヴィジョンを提案します。